Éthique(s) de l'amour

Sa réputation certaine au sein de la filmographie d'Éric Rohmer et son titre badin très Martine à la mer a fait en sorte que j'aborde le film la fois avec bienveillance et avec recul, sans en attendre quoi que ce soit.

De fait, le charme opère dès la première image avec ce (pas si) banal plan d'ouverture du portail d'entrée, auquel le plan final fera écho. On comprend que tout se passera là, dans et autour de cette maison de la côte normande où les cousines Pauline (Amanda Langlet), 14 ans, et Marion (Arielle Dombasle), environ 30 ans, viennent passer leurs vacances. C'est l'été, les couleurs sont chaudes, les épaules sont dénudées, les garçons font de planche à voile et les filles sont abordées sur la plage le plus naturellement du monde. Les conversations tournent autour de l'amour et du plaisir des vacances. Les dialogues, tellement importants et si (bien) écrits chez Rohmer, ont quelque chose de la sensualité cérébrale. Chaque protagoniste y va de sa vision de l'amour, quitte à cultiver ses paradoxes et à se contredire rapidement par les actes.

La joyeuse machine du marivaudage entre les filles, la vendeuse ambulante (Louisette) et leurs trois prétendants (Pascal Greggory, Féodor Atkine et Simon de la Brosse) est en route. Les quiproquos éclatent et la drague intergénérationnelle devient quasi acceptable. C'était pas mieux avant ni forcément plus simple, mais avec Rohmer, les histoires d'amour de vacances paraissent plus fluides et étrangement reposantes.

Dorothy, jeune orpheline romantique, se retrouve propulsée loin de son Kansas natal, au pays des Munchkins, de la sorcière du Nord et du magicien d'Oz. Commence alors une joyeuse promenade champêtre le long de la route de brique jaune aux côtés de ses nouveaux amis : l'épouvantail, le lion peureux et l'homme de fer-blanc. Si dramaturgie il y a, l'univers de conte pour enfants l'édulcore à grandes cuillerées de candeur et de bonne humeur.

Passons sur le fond de l'histoire, le film à plusieurs niveaux de lecture se voulant apparemment métaphore ou allégorie de l'Amérique et de son rêve, en tout cas d'après ce que j'ai pu en lire. Je l'ai visionné au premier dégré comme un grand enfant du 21ème siècle, agréablement surpris par la qualité du résultat alors que je m'attendais à un film en carton pâte incluant quelques jolies chansons, dont une ultra célèbre, interprétées par un petite fille idéaliste . On se débrouillait pas si mal en 1939 en terme de maquillages, décors et autres effets spéciaux ...

Du morne midwest en noir et blanc jusqu'au pays imaginaire et coloré d'Oz, Judy Garland, trop âgée pour le rôle mais dont on perçoit aisément le talent, nous entraine dans son magique et aventureux rêve. Seulement un rêve ?

 

Monsieur Ladmiral va bientôt mourir

Patauger

L'enfant lumière ?

 

Le combat des chefs

  

Derrière chaque femme se cache une femme

 

  

J'en veux encore

🎧 Éric Rohmer est mort, et moi j'en veux encore ... 🎶 La musique peut mener au cinéma. La preuve : la chanteuse Clio, avec cette chanson présente sur son premier album, m'a engagé à aller vers ce cinéaste dont je n'avais encore vu aucune oeuvre. Son image de réalisateur de la Nouvelle Vague fabriquant des films intello et bavards me tenait éloigné de lui, je suppose. J'ai logiquement choisi Ma nuit chez Maud qui semble être le plus connu.

Ce que j'ai aimé : A peu près tout mais surtout Maud, alias la magnifique Françoise Fabian, qui à la fois spontanée et sûre d'elle, envahit la pellicule. On en est troublé à la place de Jean-Louis (Jean-Louis Trintignant) qu'elle veut absolument mettre dans son lit pendant cette fameuse nuit. Il la désire, ça me semble évident, mais il a déjà choisi la (pas si) sage et catholique Françoise (Marie-Christine Barrault). Troisième opus de la série des Six contes moraux, il est fait de jeux de séduction entre les protagonistes qui discutent à bâtons rompus à propos de mathématiques, philosophie, religion ou amour. Ce bavardage peut paraître manquer de naturel mais il participe au bout du compte au charme sensuel et cérébral de l'ensemble. Pour le reste, je laisse les adorateurs ou les détracteurs du cinéma de Rohmer se charger de l'analyse de ce classique du cinéma français.

Ce que j'ai moins aimé : Découvrir Éric Rohmer seulement maintenant.

Paris, août 2020

C'est le moment idéal pour visionner ce film de 1966 qui a l'immense avantage de mettre en avant un acteur que je connais peu, Charles Aznavour, dans une ville que je connais bien.

Ce que j'ai aimé : la peinture du Paris des années soixante, qui paraît avoir déjà basculé dans celui que l'on connait maintenant, mais pas encore complètement. Les beaux quartiers, les grands magasins, les ponts sur la Seine, de jour et de nuit ... Pour quelqu'un qui n'a pas connu l'époque, c'est fascinant.

Ce que j'ai moins aimé : les deux personnages principaux. Ils sont agaçant mais heureusement pas au même moment, ce qui rend le film très supportable. D'abord, il y a Patricia (Susan Hampshire), une mannequin anglaise, jolie comme un coeur mais excessivement sautillante et écervelée. Elle est comme en terrain conquis avec ce petit Français au charme très relatif qui ne peut que chavirer pour elle. On a envie de lui dire de s'asseoir et de se préparer une camomille. Heureusement, le jour se lève, elle revient à la réalité et se calme. C'est alors au tour de Henri (Charles Aznavour) de partir en sucette en réalisant sa crise de la quarantaine de façon particulièrement désinvolte alors que femme et enfants sont à la mer. Je n'ai absolument aucun problème avec la morale de ce côté-là mais le personnage se révèle être au bout du compte pas mal arrogant et misogyne, et donc antipathique.

Heureusement comme les amours de vacances finissent toujours mal, le film prend fin et, à notre plus grand bonheur, le grand Charles se met à chanter le générique de fin "Paris au mois d'août", incontestablement sa meilleure contribution au film.

Gene of Montmartre

La scène de la photo ci-dessus est ma préférée du film. Gene Kelly y rayonne et séduit spectateurs et gamins de Paris, tous éberlués par son talent, charme et optimisme. Ce gars a tout pour lui, y compris celui de danser à la perfection, avec dextérité et complet naturel. Il est Jerry, un peintre américain tentant de gagner sa croûte en vendant (des croûtes ?) son travail sur la place du Tertre. Il va croiser la route de deux femmes (Leslie Caron et Nina Foch) qui vont bien sûr s'enticher de lui.

Un américain à Paris contient des numéros de danse tirés comme d'habitude au cordeau. Ils sont le point fort de ce film magnifique visuellement. Le scénario, lui, est le parent pauvre, il ne se passe pas grand chose dans ce musical de Vincente Minnelli. Sa très longue scène de fin, onirique à souhait et un peu chargée à mon goût, n'est pas étrangère à mon impression d'histoire d'amour sans surprise, qu'il faut meubler avec des tableaux qui en mettent plein la vue. La musique de George Gershwin s'insère parfaitement dans l'ensemble au point de parfois l'oublier tant on est totalement happé par les images, tout en mouvements, couleurs et clichés parisiens. Du beau spectacle.

Échec et mat

Le visionnage tout récent de ce bijou des années quatre-vingt m'a presque fait autant d'effet que lorsque je l'ai découvert à sa sortie en 1988. L'adolescent sensible que j'étais avait été complètement impressionné par cette adaptation du livre de Choderlos de Laclos par Stephen Frears. Tout y est réuni dans une mise en scène maîtrisée : riche décor, élégance, innocence, jeux de pouvoir, cruauté, jalousie, érotisme, émotion et je ne sais quoi d'autre …

Les deux amants libertins, incroyables Glenn Close et John Malkovich, crèvent l'écran par la justesse de leur jeu. A l'aide de subtils et éloquents regards et de dialogues aussi ciselés qu'acérés, la Marquise de Merteuil et le Vicomte de Valmont s'affrontent dans un duel qui s'avérera sans merci. Les autres personnages, simples pions sur l'échiquier, ne sont que les victimes collatérales d'une rivalité où l'orgueil et l'amour-propre ont finalement bien plus d'importance que le désir ou l'admiration mutuelle qui les poussent d'abord l'un vers l'autre.

L'un des films de ma vie.

Mélancolie heureuse

Avant la sortie de Un homme et une femme : vingt ans déjà, je tenais à revoir le film original sorti en 1966 et dont après un premier visionnage m'avait laissé un souvenir plutôt mitigé. Depuis, je me suis rendu compte qu'il était préférable, bien plus que pour un film récent, de voir un film âgé de plusieurs décennies dans les conditions optimales de confort et concentration pour pleinement vivre l'expérience. À l'époque je m'étais focalisé sur l'idée que le film avait grandement vieilli sans réellement pénétrer dans l'atmosphère unique qui en a fait un grand succès de l'époque et, depuis, un film culte.

Faute corrigée cette fois-ci puisque je me suis extrait avec difficulté de la séance de streaming tant j'ai été attendri par cette histoire d'amour, à la base extrêmement banale mais portée par la poésie de la narration et le charme de ses interprètes. Un homme (Jean-Louis Trintignant) et une femme (Anouk Aimée) se rencontrent par hasard à Deauville et finiront par tomber amoureux l'un de l'autre. Rien d'autre ou presque ... La bande sonore ne se résume pas au mythique "chabadabada" de Francis Lai. Elle tient un rôle bien plus central que dans mon souvenir. À tel point que les dialogues ne conservent à bon escient que la partie congrue. Ce choix délibéré du réalisateur engendre un film merveilleux où l'ambiance mélancolique prend le pas sur le scénario, lui-même très peu écrit.

Ce qui m'a particulièrement frappé, c'est la cohabitation du manque et de la tristesse avec une apparente insouciance. Un manière pour le réalisateur d'illustrer le retour de l'espoir ?

Chat et souris

Le décès de Michel Legrand a précipité ma découverte de L'affaire Thomas Crown. Pour ce film de 1968, l'auteur-compositeur français a écrit The windmills of your mind, version anglaise trop rapide à mon goût, avant de chanter lui-même en français Les moulins de mon cœur l'année suivante. Considéré par Steve McQueen comme son meilleur film, je lui préfère Bullit, Papillon ou La grande évasion, qui m'ont davantage diverti.

Ce qui est indéniablement plaisant dans ce film, c'est le visuel : les images à l'élégance très sixties, les couleurs savamment choisies et la beauté et le glamour de Faye Dunaway et de Steve McQueen.  Le scénario est finalement intéressant aussi par son aspect non manichéen puisque bien et mal s'y télescopent de manière bienvenue.

Thomas Crown est un homme richissime pour lequel il est facile de faire des affaires. Par ennui, par bravade, pour se donner les frissons, il réalise le casse presque parfait. C'est sans compter sur Vicky Anderson, enquêtrice brillante (elle devine d'ailleurs un peu trop facilement le coupable) embauchée par la banque flouée. Ces deux-là vont se tourner autour, se plaire, se faire la cour, tout en sachant pertinemment de quel bois l'autre est fait, quel risque il prend en jouant ce jeu en toute transparence avec lui. Un jeu dangereux mais apparemment excitant.

L'incorruptible

1 fois Cécile Cassard